Film-film merupakan nama lain dari permainan

Tentang kata film

Salah satu pendahulu film, Rotating Peeping Picture, ditemukan pada tahun 1830-an di Britania Raya di Inggris, dan dijual di Eropa dan Amerika sebagai mainan ilmiah pada 1960-an. Ketika silinder diputar, gambar tampak bergerak)). Dari sini, istilah "gambar bergerak", yang berarti "gambar bergerak", atau "gambar bergerak" lahir, dan dikatakan bahwa film itu akhirnya menjadi kata yang berarti. Di Amerika Serikat, singkatan <movie movie> sudah umum di tahun 1910-an (pada 1920-an ada majalah penggemar bernama <movie>, dan perusahaan film Fox mendaftarkan nama dagang <nada film>), Today. Kata <picture> telah bertahan sebagai kata untuk karya film (misalnya, <silent movie> digunakan secara sinonim dengan film bisu dan film bisu sebagai gambar bisu).

Di Prancis, di sisi lain, seorang insinyur penemu bernama Leon Bourie pada tahun 1892 (kadang-kadang disebut tahun 1893) menamai sinematografnya (kata Yunani untuk kinēmatos (gerakan) dan graphein (menggambar)). Saya memberikannya ke perangkat fotografi kontinu yang diciptakan, tetapi ini adalah kata yang berarti film secara luas. Pada tahun 1995, saudara-saudara Lumiere mengumumkan sebuah perangkat yang merupakan kamera dan proyektor atas nama ”Cinematograph Lumiere”. Itu setelah mengadakan pemutaran pertama di layar dunia. Pada 1910-an, singkatan dari "cinema cinéma" menjadi umum (perusahaan film Prancis pertama Patée Cinema didirikan dalam 18 tahun).

Istilah lain untuk film, film, berasal dari filmen Inggris abad pertengahan, yang berarti menurut "Daftar Istilah Perancis Glosari Film Prancis" karya Jean Giraud. , Menurut otobiografi J.von Sternberg, "Mengobrol di Cucian Cina", itu adalah kata yang berarti busa. Pada tahun 1889, Eastman Kodak Company memberi nama film <film> pada pita seluloid untuk fotografi yang dikembangkan oleh perusahaan. Selain itu, Thomas Edison memerintahkan Eastman film panjang (roll film) 50 kaki untuk syuting, dan sejak saat itu, kata itu juga akan dikaitkan dengan film itu sendiri. Kata seluloid juga digunakan sebagai sinonim untuk film dalam bahasa Inggris dan Perancis, dan layar seluroid berarti <layar perak>.

Pertama, film Jepang berarti papan dengan gambar lampu hantu, yaitu slide dan proyeksi itu, dan gambar yang diproyeksikan sendiri. Dalam sebuah artikel surat kabar tahun 1886, kata "film" dengan Utsushie dan ruby ditemukan. Iklan pesanan lewat surat dari produksi film instrumen lampu phantom Ikeda Togaku generasi keempat (penemu "periode Edo", generasi ke-4 Ikeda Togaku) sekitar tahun 1997 adalah instrumen lampu phantom, yaitu proyektor dan film lampu phantom, Ada daftar slide, misalnya, <bagian film Buddhis>

Kata "photo aktivitas" adalah terjemahan dari kinetoskop Edison, dan pertama kali digunakan dalam judul artikel "News on Newsletter" tanggal 31 Januari 1896. <Kinetoscope> diimpor ke Kobe pada bulan November di tahun yang sama. Tahun berikutnya adalah impor foto kegiatan sinematografi dan ruang lingkup vital yang diproyeksikan di layar, mengikuti kinetoskop jenis kacamata pengintip. Sinematograf kadang-kadang disebut sebagai foto otomatis atau phantom otomatis (phantom adalah singkatan untuk film-film lentera phantom), dan Vitascope diterjemahkan ke dalam proyeksi akumulatif. Disamaratakan. Ada teori bahwa istilah "foto aktivitas" digunakan oleh Sakurachi Fukuchi, dan "Tokyo Nichi-Nichi Shimbun" menulis Vitascope sebagai "foto aktivitas bahasa Jepang untuk kenyamanan". Dikatakan bahwa itu menjadi. Pada tahun 1902, Shiki Masaoka pertama kali memberikan gambar aktivitas di buku harian ranjang sakit (<Enam Skala Penyakit> Pada saat yang sama, saya menulis tentang mainan yang disebut <Foto Kegiatan> sebagai berikut. <Mainan lainnya adalah Omochiya, sebuah foto dari kegiatan penemuan baru oleh Dr. Taro Hibino. Ini adalah sekitar tiga puluh lembar kertas tentang ukuran truf. Lukisan-lukisan yang muncul berubah secara berurutan. Saya akan membaliknya dengan ujung jari, dan itu akan menjadi foto kegiatan. Tempat orang bodoh sangat menarik. Dapat dilihat bahwa apa yang disebut "paraparashashin" menggunakan prinsip "film" sebagai mainan ilmiah, yaitu "gambar bergerak", juga dijual di bawah nama foto aktivitas Menurut ingatan Rei Iwasaki, masih belum ada kata-kata seperti <cinema> sekitar 1907-08.

Junichiro Tanizaki, seorang seniman yang menunjukkan minat mendalam pada <movies>, seperti menulis kisah asli "Amateur Club" (1920) dan kelanjutan "Snake of the Snake" (1921), Dalam edisi September New Novel , foto-foto kegiatan saat ini dan masa depan, dan dalam edisi Maret majalah dalam 21 tahun, sebuah esai yang disebut "Movie Miscellaneous Feelings" diterbitkan. Pada saat ini, dapat dilihat bahwa istilah umum berubah dari foto aktivitas menjadi film. Kazumasa Kakiyama, yang menulis "Metode Pembuatan dan Pemotretan Drama Foto" (1917), menghasilkan "Drama Foto Aktivitas" (naskah panggung, bentuk wanita, syuting set) untuk satu drama film (skenario asli), Aktris, pengambilan gambar perjalanan bisnis (lokasi )) Dideklarasikan untuk dapat membuat dua, dan kemudian benar-benar membuat "Life Shine" "Miyayama Maiden" (keduanya 1918) dan menamakan ini "Pure Movie Theater" Sudah waktunya. Pada saat ini (1921) nama perusahaan, seperti Pusat Produksi Film Pendidikan Makino, lahir untuk perusahaan film seperti Nippon Activity Photography Co., Ltd. (Nikkatsu) dan Natural Color Activity Photography Co., Ltd. ( Tenka). Di Tokyo Asahi Shimbun pada Februari 2009, sebuah bagian berjudul "Dunia Film - Kegiatan Rumor" dibuat, dan lirik "Song of the Great Earthquake" dibuat setelah Gempa Kanto Besar pada tahun 2011 Ada juga sebuah paviliun (... ), dan sepertinya <movies> dan <kadudo> telah digunakan dengan cara yang sama. Juga, kalimat yang ditulis oleh penulis Shinji Shirai di sebuah majalah yang disebut "Ilusi" dari 25 tahun mengatakan, "Saya adalah orang pertama yang melihat film di atas kain ..." dan itu ditampilkan di layar. Istilah "film kain" digunakan. Foto aktivitas kata dikatakan telah digunakan secara bertahap setelah 35 tahun.

Kata modern lain untuk sinema adalah kinema, dan pada tahun 1913, warna kinema diimpor dari Inggris (dari mana Natural Color Activity Photography Co., Ltd. lahir). Pengingat "FILM RECORD" diganti namanya menjadi "Kinema Record". Pada tahun 1919, "Kinema Shunpo" pertama kali diterbitkan, dan dalam 20 tahun berikutnya, perusahaan film seperti Shochiku Kinema, Imperial Kinema, dan Toa Kinema didirikan. Pada 2011, bioskop diberi nama "Kinema". Satu demi satu (bioskop film Jepang berangkat dari <Electric Pavilion> Asakusa (1903), tetapi teater permanen pertama di dunia di Los Angeles juga disebut <The Electric Theatre The Electric Theatre> Theatre>.) Sebuah bioskop bernama "Cinema Palace" adalah lahir pada tahun 2012 dan menayangkan lukisan-lukisan Barat klasik dan karya-karya unik satu demi satu (Menurut ingatan Tokugawa Yumeki, Dikatakan bahwa itu dinamai “Fame”. Putih bangkit di rel Ada juga kesaksian bahwa <Kinema> telah pindah ke <Cinema> sejak saat (1924) diputar.

Pertama, ada keinginan untuk pindah. Dikatakan bahwa itu sudah ditemukan dalam lukisan gua Altamira, tetapi yang pertama dicatat dalam sejarah prasejarah film ini dirancang oleh pelukis lanskap Skotlandia R. Barker pada 1780-an. Panorama Kata "panorama" masih bertahan dalam istilah film "pan" (pan dalam bahasa Inggris, panoramique dalam bahasa Prancis). <Panorama> adalah pertunjukan yang menunjukkan gerakan di mana kain lukisan besar yang dipasang di dalam bangunan silindris perlahan-lahan berputar di sekitar penonton di tengah koridor yang redup dan adegan pertempuran terbuka di depan Anda. Dan, itu efek yang sama seperti gambar dengan teknik <pan> di mana kamera terguncang seperti memutar leher. Kinerja panorama ini dengan cepat menyebar ke seluruh Eropa dan merupakan sukses besar. Pada tahun 1872, Misi Iwakura dari pemerintahan Meiji, yang mengunjungi panorama ini di Paris, termasuk semut penonton pertama Meteor Nikori, Ninarite buatan, dan Tenjo. Itu disebut "Kun, Aneh Monster Narcoto", "Bunmei no Seika Tomo Nama Tsukuhekimono Nite", "Tidak.

Dorongan untuk <gambar bergerak> dengan demikian secara khusus terkait dengan kelahiran film melalui penemuan dan pengembangan tiga perangkat dan bahan teknis berikut. Yaitu, (1) Penemuan mainan ilmiah menggunakan pengembangan afterimage retina (tepatnya, fenomena psikologis yang disebut "gerakan menonjol"), (2) Pengembangan teknologi proyeksi (cahaya hantu) menggunakan instrumen optik, (3). ) Fotografi Ini adalah pengembangan dari penemuan dan teknologi fotografi.

1646, pendeta Yahudi, ahli matematika, mistikus, dan penemu kelahiran Swiss Athanasius Kircher Namun, mereka menemukan lampu hantu yang merupakan pelopor proyektor film. Dalam buku "Teknik Hebat Cahaya dan Bayangan", prinsip ini diproduksi tanpa penjelasan apa pun ("lentera hantu" Jepang adalah terjemahan dari lentera ajaib Inggris, dan pada periode awal Meiji, ia dinamai oleh Seiichi Teshima dari Menteri Pendidikan. ). Dikatakan bahwa yang mirip dengan lampu hantu juga ditemukan di Mesir dan Roma kuno, tetapi lampu hantu sebagai perangkat optik yang memperbesar dan proyek dalam keadaan diam ditemukan dalam 46 tahun. Namun, dua tahun lalu, Leonardo da Vinci telah menemukan perlengkapan pencahayaan dan lensa kondensor. Plato adalah "metafora gua" yang terkenal di "Nation" ("Gua Plato"), pertama kali seorang manusia yang hidup hanya dengan melihat gambar api yang bersinar di belakang gua yang gelap. Setelah melihat dunia yang diterangi matahari, ia kembali ke gua lagi dan menulis sebuah cerita yang mengakui bahwa orang hanya melihat bayangan dan hanya melihat bayangan. Valerie menganggap Gua Plato sebagai asal dari kotak gelap dan mengembangkan teori bahwa film lahir darinya. Namun, tidak sampai abad ke-17 bahwa kotak gelap diterapkan pada cahaya hantu. Pada 1660, ahli matematika Denmark Bangenstein pertama kali diproyeksikan menggunakan cahaya buatan alih-alih sinar matahari. Pada abad ke-17, Teater Shadow juga sangat populer. 1832, ope fenakistik dari fisikawan Belgia J. Plateau (atau fenakistoskop), stroboskop ilmuwan Jerman von Stamper, kemudian dalam 33 tahun berikutnya zoetrope matematikawan Inggris WG Horner Perangkat yang memanfaatkan fenomena afterimage retina ditemukan (walaupun mainan berdasarkan pada prinsip ilusi seperti thaumatrope dan <Faraday Wheel> telah ditemukan sejak tahun 1820-an), dan sebagai mainan ilmiah dari tahun 1950-an hingga 1960-an saya senang. Penyair Perancis Baudelaire tampaknya telah meramalkan film yang akan ditulis pada tahun 1951 tentang salah satu mainan ilmiah ini, Fenakisty Corp. <Dengan asumsi bahwa satu jenis latihan, misalnya, satu penari / akting ringan, dipecah menjadi beberapa angka. Mari kita asumsikan bahwa masing-masing gerakan ini - katakanlah bahwa jumlahnya adalah dua puluh --- diwakili sebagai gambar panjang penuh dari seorang penari atau penari, yang semuanya digambar di sekitar silinder kardus. Pasang silinder ini, bersama dengan silinder lain yang berjarak sama dengan dua puluh jendela kecil, ke poros berputar di ujung pegangan, dan Anda akan dapat meletakkan pegangan di depan api. Mintalah mereka memegang seolah-olah memiliki kipas. Dua puluh gambar kecil bercermin pada cermin di depan Anda, mewakili gerakan yang diselesaikan dari satu gambar. Sesuaikan mata Anda dengan ketinggian jendela kecil dan putar dua silinder dengan cepat. Semakin cepat perputarannya, kedua puluh lubang itu menjadi sabuk sirkulasi yang melaluinya Anda mencoba melakukan gerakan yang sama dengan semacam presisi fantastis, persis sama, dan dua puluh tarian. Anda akan dapat melihat patung di cermin. (Dihilangkan) Ada beberapa layar tanpa batas yang dapat dibuat dengan cara ini> (diterjemahkan oleh Takehiko Fukunaga). Mainan ilmiah ini akan terlihat dalam fonoskop G. Domeny (1891), yang menggunakan foto yang diciptakan alih-alih gambar.

Pada tahun 1839, pelukis Prancis L. Daguer menemukan foto dan menamainya Dageleotype (foto piring perak). Setelah ini, fotografer Amerika E. My Bridge, yang terus menerus memotret satu gerakan (kuda yang berlari, dll.) Dalam 24 kamera, dapat memotret 12 frame pada satu piring <Photogun <Sequential photography> secara aktif dikejar hingga Prancis fisiolog E. Murray et al. Pada tahun 1989, fotografer Inggris W. Freeze Green merancang kamera film pertama (kinematografi), bernama biphantascope (kinematografi) pada tahun 1952. Box dibuat). Kimiawan dan fisikawan Prancis L. Le-Prince memasang perangkat proyeksi menggunakan mobil silang yang kemudian diselesaikan oleh German O. Mester, bersama dengan film bioskop berlubang dan sproket untuk memberi makan film. Diciptakan (Selanjutnya, ia membuat film untuk keperluan proyeksi pada tahun 1890, lima tahun lebih awal dari sinematografi Lumiere, tetapi tiba-tiba menghilang dari kereta yang berlari segera setelah itu, dan dalam sejarah penyelidikan kriminal. Itu menjadi salah satu misteri). Sudah 89 tahun Edison mengembangkan film 35mm di Amerika Serikat. Pada tahun 1992, di Museum Grevin di Paris, ilmuwan alam Perancis Emile Renault (mengembangkan praxinoscope dengan zoetrope yang ditingkatkan pada tahun 1877) dinamai "Theater Optic (Optical Theater)" dan diwarnai <Gambar bergerak diputar dan yang pertama di dunia < animasi ( Film animasi )> Dilakukan, dan iringan musik dengan piano sudah terpasang saat ini. Box office berlangsung selama delapan tahun hingga 1900, dengan 12.000 pemutaran dan 500.000 penonton direkam.

Pada tahap prasejarah ini, ada sebuah buku yang meramalkan bahwa film tersebut akan diciptakan oleh satu orang hebat. Pada saat itu, sejumlah penemuan seperti gramofon, mikrofon, dan lampu listrik dikirim dari "Desa Sains" di Menlo Park, NJ, AS, dan disebut "Pesulap Abad Ini", "Penyihir Taman Menro", "Ayah Gramofon" Ini adalah novel Riladan "Hawa Masa Depan" (Miraino Ibu) (1880), yang ditulis oleh Thomas Edison. Riradan di sini bahwa Edison, yang harus disebut simbol abad ke-19, abad sains dan penemuan, pasti akan menemukan <movie> sebagai esensi sains dan teknologi.

Pertama-tama, <movie> adalah kekacauan dari <magicians> <penemuan hiburan> yang didefinisikan oleh GR Hocke, yang membatasi hal-hal yang berguna dan nyaman, mengungkapkan wajah manusia yang sebenarnya saat bermain>.

CW Zerum, penulis Film Archeology, menjelaskan kelahiran sebuah film sebagai berikut. <"Film" dimulai dengan sinematograf. Sinematograf adalah istilah yang merujuk pada "perangkat teknis" sebuah film, jadi pertanyaan kapan "film" ditemukan tidak benar dan sinematograflah yang "diciptakan". "Film" lebih dari sekadar "perangkat", bukan "diciptakan" tetapi "lahir".

Pada 1894, itu dimulai dengan kinetoskop Edison. <Aku membuat mesin kecil bernama kinetoscope. Ketika koin dimasukkan ke gerbang harga, mereka bergerak. Saya membuat 25 unit, tetapi mencurigakan apakah itu akan menjadi bisnis. Mungkin tidak ada biaya produksi. Gagasan mengintip tampaknya terlalu kekanak-kanakan untuk menarik publik, "tulis Edison kepada Mybridge, fotografer pertama pada tahun 1893. Tahun berikutnya, mesin penjual otomatis video" Kinetoscope "dirilis di Broadway di New York, dan itu adalah diiklankan sebagai "Penemuan Wisaya Terbaru". Kerumunan orang berbaris sepanjang malam di tempat khusus yang disebut Kinetoscope Parlor. Dia mengatakan bahwa dia sedang menunggu untuk melihat gambar bergerak hidup 90 detik dari lubang intip dari lima kinetos. Kinetoskop ini adalah hit besar tidak hanya di Amerika Serikat tetapi juga di seluruh dunia, tetapi tentu saja itu adalah sesuatu yang hanya dapat ditampilkan kepada satu penonton dengan satu mesin. Edison hanya memikirkan penjualan massal mesin ini, dan khawatir mesin itu tidak akan laku jika banyak hal dilihat sekaligus, dan dikatakan telah menolak mengembangkan perangkat yang diproyeksikan di layar. Apa yang berhasil mencoba mengubah peep-and-taker menjadi perangkat proyeksi Lumiere Dia adalah saudara laki-laki.

Edison sendiri sudah melakukan percobaan di layar pada tahun 1889. Sebelum Lumiere bersaudara, ada bioscope bioscope yang memperbesar serangkaian foto yang diambil pada film gulungan normal oleh saudara-saudara Skradanovsky Jerman. Namun, sinematografi (juga dikenal sebagai proyeksi kinetoskop sinematografi), ditemukan oleh Lumiere bersaudara, adalah perangkat yang menangkap gerakan aktual dan mereproduksinya di layar. Pada 28 Desember 1995, pratinjau berbayar pertama di dunia diadakan di Grand Café di Paris. Ini adalah awal dari sebuah pertunjukan film yang diperlihatkan kepada sejumlah besar penonton yang bukan satu untuk pertama kalinya. Segera setelah ini, Georges Merles, yang dikenal sebagai pesulap, melamar Lumiere untuk mentransfer hak-hak Sinematograf tetapi ditolak (kemudian dibeli oleh Charles Patty), dan mau tidak mau R. Paul dari Inggris (saya membeli perangkat proyeksi dari Kinetoskop Edison ditemukan pada tahun 1896) dan mulai membuat film tanpa membuat produksi pertama di dunia, Star Film.Pada tanggal 23 April 1996, Edison's Vitascope, yang diproyeksikan di layar di Amerika Serikat, seharusnya dirilis untuk mengejar sinematografi Lumiere, tetapi ini sebenarnya adalah seorang fotografer bernama T. Armat Metode untuk memproyeksikan film untuk kinetoskop ke layar dibuat, dan ini adalah nama Edison's Vitascope, yang banyak dilakukan. Surat kabar menyebut ini "diperluas kinetoskop" sebagai kemenangan terbaru Edison dan membuat keributan besar, tetapi Edison sendiri memperoleh $ 24.118 diinvestasikan dalam kinetoskop yang akan jatuh, saya meminjamkan nama saya untuk melakukan ini, dan satu tahun kemudian, saya merancang sendiri perangkat proyeksi dan mematenkannya dengan nama Vitascope yang sama. Dia mengatakan dia tidak pernah berpikir tentang bagaimana membuat foto kegiatan menjadi seni. Minatnya dikatakan hanya terbatas pada peningkatan teknologi dan produksi kamera dan proyektor.

Pada bulan Mei 1897, ketika sebuah acara film populer diadakan sebagai pertunjukan sampingan untuk bazar amal di Paris, kebakaran terjadi dari sumber cahaya proyektor (pada waktu itu, gas digunakan sebagai pengganti listrik), dan segera Sebuah bencana besar Peristiwa yang menewaskan 180 orang (325 orang dalam satu teori) terbunuh di tempat tenda. Menurut Paul Rosa "Today's Film" (1930), "Bencana ini akan melanda orang-orang di seluruh Eropa, dan itu akan beberapa tahun sebelum perangkat iblis yang mengerikan ini diciptakan untuk menciptakan hiburan populer. Dibutuhkan>. Sementara itu, di Amerika Serikat, film layar lebar memperoleh popularitas di distrik hiburan yang disebut Boardville Houses dan Penny Arcades, dan pada tahun 1902 di jalan-jalan utama Los Angeles dan Chicago <untuk wanita dan anak-anak>> Bioskop permanen (Electric) Teater) telah ditetapkan sebagai tempat hiburan yang sehat. Pada tahun 2005, sebuah bioskop bernama Nickel Odeon (juga disebut "teater lima sen" karena dapat dimasuki dengan koin nikel lima sen tunggal) lahir dari Pittsburgh dan menyebar ke seluruh negeri. Produksi Edison, disutradarai oleh ES Porter Perampokan kereta api besar (1903) <Story Picture (film dramatis)> lahir, dan Nick Odeon No. 1 diciptakan sebagai teater yang cocok, dan direkam dalam sejarah film sebagai pendiri drama Amerika ini. Train Robbery "disaring. Pada 2008, ada lebih dari 600 odeon nikel di New York saja, memobilisasi 300.000-400.000 pengunjung setiap hari dan mencatat penjualan 6 juta dolar per tahun. Dalam 10-an, lebih dari 15.000 bangunan telah dicapai di Amerika Serikat, menurut R. Skuller, sebuah buku pegangan berusia 10 tahun untuk para manajer dan sinematografer Nick Odeon mengatakan bahwa "lokasi yang ideal untuk sebuah bioskop adalah tempat tinggal kelas pekerja yang padat penduduk. Ini ditulis sebagai" menghadapi belanja yang sibuk jalanan "dan" film "diterima dengan cepat di kalangan imigran kelas bawah. Setelah bencana pasar amal Paris pada tahun 1897, dempul Prancis juga mengalami pukulan yang hebat, tetapi pada 1900-an itu menyapu pasar film Amerika dengan melampaui Edison, Merries , Biograph and Vitagraph., Saya menjadi perusahaan film terbesar di dunia. Pada tahun 10-an, ia terikat dengan surat kabar surat kabar Amerika WR Hurst, yang kemudian menjadi model Citizen Kane (1941), dan membintangi Pearl Whit e. Drama berkelanjutan > Mengutus dunia. "Aktivasi Berturutan" seperti "Porin (warisan)" (1914) dan "Fistbone (jasa Irene)" (1915) diproduksi oleh cabang New York (Pate Exchange) Patte dan disutradarai oleh Louis Gasnier. Dulu.

Charles Patay dikatakan telah berbicara dengan jelas bahwa, kecuali untuk industri amunisi, tidak akan ada industri lain yang akan berkembang begitu cepat dan menghasilkan uang. Patty, yang membeli hak-hak Sinematograf dari Lumiere Brothers, mendirikan Patty Cinema pada tahun 1897 dengan modal 24.000 franc, tetapi pada awal 2900 franc menjadi 2 juta franc dan 2005 menjadi 3,2 juta franc Pada tahun 2013, ibukota akan ditingkatkan menjadi 30 juta franc. <Saya tidak menciptakan film itu, tapi ini dibuat secara industri> dan itu adalah perkembangan yang luar biasa, seperti yang telah dirilis Patty sendiri. Penyair Perancis Apollinaire, menyatakan pada tahun 1907 bahwa <film adalah pencipta surealis>, menggambarkan antusiasme spekulatif dari <film> pada saat itu sebagai petualangan petualang untuk seorang penjahat gunung tunggal (<Kisah "Petualangan Baron Amphion Dormzan" ( film karya), ditulis sekitar tahun 1903). Perang paten yang sengit atas film itu dikembangkan, tetapi pada 2007 hak paten Edison diakui secara hukum, dan pada tahun berikutnya, sembilan perusahaan termasuk Patty merangkul Edison <Motion Picture Patent Company> Didirikan. Perusahaan paten ini bernama <The Trust>. Dalam 10 tahun, ia mendirikan perusahaan distribusi sendiri <General Film>, dan pada tahun 2000, ia menyerap 60 perusahaan distribusi dan membuka pasar pinjaman film. Hampir dimonopoli (kami mengumpulkan biaya $ 2 per minggu untuk setiap proyektor dan juga memperoleh hak eksklusif untuk menggunakan film Eastman Kodak). Namun, perang paten hanya meningkat, dan konflik antara Edison's The Trust dan the Independents berlanjut. Di studio foto, sebuah pistol difoto, dan di bioskop, seorang insinyur proyeksi diperoleh, dan setelah hiburan malam, film dibawa ke teater lain dan diproyeksikan. Lebih jauh lagi, itu menjadi keributan bahwa <Investigator> dari Trust, penyitaan kejang dan pembunuh dikirim. Belum ada tuntutan hukum atas penggunaan kamera dan film secara tidak sah. Akhirnya, bank turun tangan untuk memadamkan perjuangan ini dengan mengatakan, "Film menjadi uang," dan bangsa juga telah memulai. Dengan demikian, film pertama kali didirikan sebagai industri sebagai perusahaan.

Gertrude Stein telah mendefinisikan pada tahun 1900-an bahwa "Era kita adalah abad sinema", tetapi pada era 10-an, keberadaan sosial sinema menjadi penentu. Polisi, surat kabar, dan gereja mulai menyerang pengaruhnya. Ada kasus di mana film diracuni oleh pemuda, tidak bermoral, dan berbalik melawan gereja, dituduh oleh berbagai organisasi masyarakat sipil dan surat kabar, dan di Amerika Serikat bioskop diserang oleh orang-orang Puritan. Terjadi. Menurut Ro Zuka, untuk pertama kalinya dalam sejarah, ada konsensus di antara para Presbiterian, Buddha, Rewash, Metodis, dan para biarawan Mormon. Orang-orang meninggalkan gereja untuk pergi ke bioskop. (Dihilangkan) Biksu itu membuat persamaan "film = iblis" tanpa ragu-ragu]. Di Jepang, tepat setelah rilis drama serial Prancis "Gigoma" pada 2011, ada insiden di mana beberapa anak laki-laki mengancam orang dengan pistol mainan, dan kampanye tuduhan berpusat pada Tokyo Asahi Shimbun yang disebutkan sebelumnya. Departemen Kepolisian Metropolitan Tokyo melarang penyaringan. Sebagai tindakan bebas untuk semua terhadap opini publik, para pembuat film akan mengatur diri sendiri. Baik <Kode Produksi> Hollywood dan <Eirin> Jepang adalah penyensoran sebagai lembaga independen yang didirikan untuk tujuan <melindungi film>.
→ Sensor film

Namun, industri film terus melambung. Secara khusus, film-film Amerika telah menangkap audiens baru melalui adopsi Star System (1909), munculnya beberapa produser yang luar biasa, kelahiran Hollywood (1911), dan produksi dan distribusi film fitur. Dulu. Sebagaimana buku pedoman 1917 tentang arsitektur teater menyatakan bahwa desain megah dan seperti istana adalah penting, teater dan gedung opera adalah kamar mewah dan karenanya memiliki biaya masuk yang tinggi untuk kelas menengah dan kelas sepi. Industri film telah tumbuh secara dramatis dengan mobilisasi penonton yang sukses. Selain itu, sementara produksi film di Eropa, terutama di Perancis, terganggu oleh Perang Dunia Pertama, pasar film dunia sepenuhnya disita. Ekspor film Amerika mencapai 36 juta kaki pada tahun 1915, tetapi mencapai 159 juta kaki dalam 16 tahun ke depan, hampir lima kali lipat. 90% dari mereka adalah film Prancis, tetapi dalam 19 tahun ketika perang berakhir, film Amerika menyumbang 85%. Melihat jumlah film fitur yang diproduksi, itu 2 dalam 1912, 12 dalam 13 tahun, 212 dalam 14 tahun, 419 dalam 15 tahun, dan 677 dalam 16 tahun. Di pendakian, selama ini dua karya monumental DW Griffith << Penciptaan nasional (1915) dan << Toleransi (1916) lahir. Dengan demikian, sejarah perfilman sebagai sebuah industri bergerak di Amerika Serikat dengan munculnya talkie, warna, dan layar lebar setelah zaman keemasan film bisu.
→ Film Amerika → Hollywood

Film ini dibuat oleh penemu pendaki gunung abad ke-19 yang dipanggil oleh perintis misterius namun serius dan CW Zerum, dan dibesarkan di gubuk tenda taman hiburan dan area hiburan di ujung taman hiburan. Keajaiban kelahiran dan pertumbuhan serta menu vulgar yang ditawarkan sesuai dengan selera massa (sekitar tahun 1900, sudah memotret seorang wanita yang mampu meledakkan rok dalam angin yang kuat seperti Marilyn Monroe dari "Cheating of the Seventh Year" `` Apa yang terjadi di New York 23rd Street '', `` Water Fairy '' menembak seorang gadis telanjang yang sedang mandi, `` Naked swing show '', `` Corset model '', `` Pajamas girl '', `` Putri senam '' Ketika film Edison mengumpulkan pelanggan, dll.), Bahkan jika mereka tumbuh sebagai sebuah industri dan menjadi populer sebagai hiburan populer, mereka masih memiliki fitur mencurigakan dari penampilan yang vulgar. Ekspresionisme K. Lange, seorang filsuf dan sejarawan seni Jerman, menulis filmnya "The Movie - The Present," bahkan setelah penciptaan "Dr. Caligari ”(1919), yang bersinar dalam sejarah film sebagai mahakarya“ artistik ”film tersebut. Dalam Masa Depan (1920), <film> dianalisis menjadi dua elemen utama: <fotograf> dan <reproduksi gerakan>, dan foto-foto yang hanya merupakan reproduksi mekanis alam yang terlibat dalam tindakan mental manusia tidak seperti lukisan. Tanpa ruang dan ilusi gerakan dalam film yang hanya menciptakan gerakan secara mekanis, film ini dibandingkan dengan seni seperti melukis sebagai seni murni. Dikatakan bahwa itu tidak boleh dibandingkan, tetapi hanya dibandingkan dengan berbagai peristiwa.

Namun, di sisi lain, ada filsuf dan seniman <abad ke-20 yang memperhatikan <prinsip film>, yang merekam dan mereproduksi pergerakan ruang dan waktu dalam sebuah video. Filsuf Perancis Bergson telah membahas analogi kesadaran dan meditasi dan mekanika sinematik (kesamaan) pada tahun 1902-03, yang menyatakan bahwa "manusia tidak melakukan apa-apa selain mengubah sinematografi bagian dalam". . Walaupun ada ide kuat bahwa film bukan seni karena mereka adalah produk dari mesin dan sains dan teknologi, di sisi lain, film bergabung dengan gerakan seni abad ke-20 yang mencoba menghubungkan mesin dan seni. Boleh jadi. Dalam 11 tahun, seorang Italia A. Bragalia menulis dalam bukunya Future Photodynamics: <Teori estetika film yang pertama kali memperhitungkan banyak cara teknis yang harus digunakan untuk film-film avant-garde. Dengan kata lain, film avant-garde adalah eksperimen pertama yang mencoba memberikan konten dan ekspresi estetis pada “cara mekanis”. Ini diikuti oleh sarjana teater Jerman B. Diebolt, yang menunjukkan "film membuat seni dengan mesin" dan "baru" film. Orang Italia R. Cannúd (1879-1923), yang mulai menulis tentang film pada tahun 1908, menjadi salah satu promotor gerakan artistik baru di Paris dan menyebut dirinya seorang kritikus film (bahkan kritikus film pertama di dunia). , Menjadi teoretikus film, dan karyanya "Image Factory" diterbitkan pada tahun 1927 setelah kematiannya), sebuah seni baru yang menghubungkan seni waktu (musik, puisi, tarian) dan seni ruang (arsitektur, patung, lukisan) , <Seni Ketujuh> dan film ditentukan. Pada tahun 2016, seniman sastra Italia F. Marinetti dan lainnya, sebagai seni baru yang melepaskan sinematograf sebagai alat ekspresi dengan "berbagai ekspresifitas" yang bertujuan untuk mengejar semua seni modern, Membuat deklarasi. Di tahun 20-an, gerakan <Avant-Garde Film>, yang mencoba menciptakan ekspresi artistik baru, terutama di Perancis, akan berlangsung ( Avant-garde ). Di sisi lain, di Uni Soviet, Eisensitein dan Pudofukin montase Membuktikan teorinya dengan karya-karyanya sendiri (《Battleship Potemkin》 1925, 《Mother》 1926, dll.) Dan di Jepang, Norimasa Kakiyama menganjurkan dalam bukunya "Pembuatan dan Fotografi Teater Foto Aktif" (1917) Kegiatan fotografi dipraktikkan dengan karyanya. karya sendiri, "Brightness of Life" dan "Miyako of Miyama" (keduanya 1918). Namun, para penulis avant-garde begitu spesial tentang film-film <pure> sehingga mereka jatuh ke dalam supremasi seni dan menjauh dari publik. Sekitar waktu yang sama, Kanued, yang menekankan dan membuktikan keunikan sinema berbeda dengan seni lain, menggambar karya Film Dahl, yang hanya memfilmkan properti teater di bioskop, terutama film teater. Dianggap sebagai musuh film, Ecranist, atau Screen Artist, harus membuat cahaya untuk mengubah realitas menjadi mimpi hatinya dan mengekspresikan keadaan jiwa.

NV Lindsay "The Art of the Moving Picture", yang dikenal sebagai asal kritik film di Amerika Serikat, diterbitkan pada tahun 1915 ketika "Penciptaan Nasional" karya DW Griffith dirilis. Dulu. Penyair Lindsay, misalnya, membandingkan bioskop dengan kegelapan pintu masuk piramida, membandingkan aktris Mary Pickford dengan seorang wanita dalam lukisan Botticelli, melihat film dalam analogi dengan lukisan dan seni lainnya, Intinya direduksi menjadi tiga elemen: <Aksi (gerakan)> <Keintiman (kemanusiaan)> <Kemegahan (kemegahan)> <Film gerakan memberi gerakan ke patung; Bergerak, dan film yang luar biasa adalah arsitektur yang bergerak. Selain itu, ia berkata, "Tren film terbaik tampaknya membangkitkan kegembiraan teater pada pandangan pertama, tetapi pada kenyataannya, mereka akan mengembangkan aksi yang lebih dalam." Kami menemukan karya yang sesuai dengan tren film terbaik dalam karya Griffith dan Chaplin. Dulu.

Tapi <film terbaik> secara alami mengecualikan <tidak terbaik> film lain. "Diskriminasi artistik" semacam ini selanjutnya diklarifikasi dengan kata-kata berikut oleh J. Dulac. <Film realisme dan film fitur dapat menggunakan cara sinematik. Tapi film seperti itu adalah genre dan bukan film yang sebenarnya. Film yang akhirnya diizinkan untuk dipromosikan menjadi "seni" berbeda dengan dan analogi dengan seni lain, dengan cara ini, alih-alih hanya beberapa film yang dipilih diperlakukan sebagai seni, saya harus menerima nasib dipotong sebagai budak. W. Benjamin juga menulis karya teori film awal, "Untuk memasukkan film ke dalam apa yang disebut" seni ", juga tergoda untuk menafsirkan film dari elemen-elemen penyembahan." (1934). Semakin Anda mencoba membuat seni film, semakin banyak teori dan kritik film ini pada akhirnya tidak mengubah semua film menjadi seni, tetapi hanya beberapa seniman dan karya hebat. Dengan memperlakukannya secara khusus, ia perlu membedakan film itu sendiri. Eisencitein, yang mendefinisikan <film sebagai seni konflik> dan dengan saksama mengejar <rahasia untuk membuat bentuk artistik film dan bentuk artistik film> (Yeast) Mayoritas karya film biasa-biasa saja yang bengkak oleh jamur dipaksa untuk melakukan diskriminasi, dan kritikus film Amerika Tamar Lane juga menulis dalam buku "American Film World Vertical Recording" (1923) Jika tidak ada seni dalam foto, apakah orang itu kaku pada prasangka terhadap film? Kalau tidak, ketika orang tersebut pergi untuk melihat bangunan permanen, foto-foto seperti Rambut Berwarna Bob atau Tarzan Itu akan menjadi perdebatan setelah itu. Di Jepang, filsuf Tetsuzo Tanikawa (Yutaro Kuze) yang menerjemahkan karya perintis teori film H. Münsterberg, "Theatrical Play - The Psychology and Aesthetics" (1916) Dia mengatakan bahwa seluruh bioskop tidak boleh didorong, dan untuk mengerti bahwa film itu adalah seni yang unik, ia <menonton film origami dengan sutradara dan aktor yang baik>. Sementara Cocteau, yang berdiri untuk membela apa yang disebut "film terkutuk" yang telah ditinggalkan oleh komersialisme, di sisi lain, tidak ada yang lebih omong kosong daripada pertanyaan "Film adalah seni?" Itu hanya diambil dari industri sudut pandang, dan "tidak ada produksi sastra, tidak ada lukisan dan tidak ada musik, tidak ada film, tidak ada produksi", dan "artistik" Hanya untuk bersikeras. Pandangan seperti itu mengakar dalam, dan bahkan ketika sampai pada ahli teori film Prancis kontemporer J. Cohn Séa, tidak ada bedanya dengan teori seni film tahun 1920-an dan 30-an dalam hal membedakan <art> dari <spectacle>.

Debat seni yang sama terjadi ketika film menjadi talkie. Claire, Gans, Dulac, dan lainnya dari Prancis diduga berbicara dengan Torquay dan mengklaim bahwa menyuarakan film itu adalah penistaan terhadap seni. Pemain Jerman H. Kahan, dalam bukunya, Dramaturgy Torquay, menetapkan bahwa film-film Torquay hanyalah sebuah bentuk permainan baru. Namun, para pembuat film Soviet seperti Pudofukin dan Eisensitein menerbitkan Deklarasi tentang Torquay pada tahun 1928, dan penggunaan suara sebagai alat untuk sepotong montase visual Menekankan kemungkinan. Pada akhir transisi yang penuh gejolak dari silent to talky (1933-34), British R. Spotiswood, yang mendefinisikan "Film Grammar" dan mendefinisikan bahwa film lengkap terdiri dari elemen visual dan akustik, <Seni film belum ditetapkan > dan menegaskan bahwa film yang disutradarai hanyalah perpanjangan dari pertunjukan teater dan lebih rendah dari seni. Untuk alasan yang persis sama, penulis Prancis A. Marlou menulis, sebaliknya, bahwa seni baru lahir dari <kemungkinan ekspresi yang menggabungkan video dan suara>. Dulu.

Dengan demikian, perdebatan tentang sifat artistik film berlanjut sepanjang waktu tanpa kebingungan. Di sisi lain, mungkin kritikus Prancis A. Bazan, yang memiliki pengaruh besar terhadap Nouvel Berg, yang benar-benar menyadari diskriminasi artistik asli ini. Bazan menyatakan bahwa "semua film dilahirkan dengan bebas dan setara." Sekitar waktu yang sama, Cinematheque Francaise didirikan sebagai Bahtera Nuh untuk meraup apa pun, yang bertentangan dengan semangat artistik dari perpustakaan film yang menjaga film yang berpusat pada apa yang disebut karya agung. Pergerakan H. Langlore (1914-77) juga dimulai dengan pengakuan yang sama. Ketika pengaruh Nobel Berg, seorang kritikus dan pembuat film yang tumbuh di bawah Bazan, menyebar secara global, setelah tahun 1960-an, orang-orang lebih tertarik untuk "menjelajahi bioskop itu sendiri" daripada di "bioskop artistik". Bunga mulai datang.

Terlepas dari debat abstrak yang tak berkesudahan tentang apakah film itu seni atau industri, fakta bahwa film itu telah membangun sistem film yang benar sambil berjuang antara <art> dan <industri> telah memilih film sebagai profesi di masa-masa awal film, Mereka adalah orang-orang hebat. sutradara film yang telah disublimasikan menjadi film sambil menjelajahi berbagai <narratif> seperti film dalam praktik pembuatan film. Mereka adalah Griffith, Stroheim, Eisenstein, Murnau, diikuti oleh Chaplin, Ford, Hawks, Lang, Pengering, Renoir, Vigo, Buñuel, Hitchcock, dll. Yang aktif di era Torquay. Direktur mengarah ke Narutaki Gumi, termasuk Yasujiro Ozu di pusat.

Apakah film adalah "industri" atau "seni", memang benar bahwa kekuatan terbesarnya adalah "popularitas". Perbedaan antara "Seni di Era Teknologi Reproduksi" dan film Benjamin berbeda dari lukisan dan arsitektur, dan itu bisa menjadi subjek apresiasi kolektif simultan. Benyamin menekankan bahwa konsep "satu kali", yaitu, "asli", "nyata", yang unik untuk pekerjaan itu, sepenuhnya menghilang, tetapi kepentingan sosial dan simultanitas kolektifnya sangat besar. sedang melakukan. Secara alami, masyarakat sosialis, negara totaliter, dan negara-negara berkembang telah memelihara dan menggunakan film sebagai sarana periklanan paling efektif. Misalnya, film Soviet yang lahir dengan Revolusi Oktober adalah yang paling penting dari semua seni adalah film. Penciptaan film baru yang mencerminkan realitas masyarakat Soviet dimulai dengan film berita. Tak perlu dikatakan, itu berkembang sejalan dengan pernyataan dan semangat Lenin. Di bawah dukungan pemerintah, studio eksperimen film Kreschov dan film rekaman eksperimental <Kino Glass (mata film)> dipromosikan sebagai gerakan Ziga Bertov.

Propaganda Jerman Nazi, Gebels, dengan cepat membentuk <Biro Film>, dan menurut Cracauer <segera setelah perang pecah> Kementerian Publisitas Jerman telah menjadikan film berita sebagai alat yang efektif untuk propaganda perang. Menggunakan semua cara yang mungkin juga merupakan fakta sejarah yang penting.Hitler mencoba membuat F. Lang membuat film Nazi, mengenang Marlene Dietrich, yang menjadi bintang internasional di seluruh Amerika Serikat, dan menyapanya sebagai Bintang Reich Ketiga, Selain itu, Reni Riefenstal, Hitler sendiri memanggil "Perwakilan Sempurna of German Women ", membuat Film Olimpiade" Festival Etnis "dan" Keindahan Kecantikan "(keduanya 1938) untuk membawa kekuatan Nazi ke dunia. Sudah diketahui bahwa dia telah berhasil pamer. Selama Perang Dunia Kedua, pemerintah Amerika Serikat juga membuat serangkaian film perang yang terkenal, "Why we fight" (1942-44) di bawah arahan Jenderal Marshall, di bawah arahan Jenderal Marshall. Perlu juga dicatat bahwa negara-negara <dunia ketiga>, termasuk negara-negara Afrika yang muncul yang tidak tergantung pada koloni, sedang mencoba untuk memulai komunitas internasional dengan film sebagai yang pertama dan terpenting.

Film yang merupakan penemuan di garis depan inovasi teknologi memiliki, tentu saja, elemen yang memelihara berbagai mimpi yang dibawa manusia ke sains dan teknologi, dan berbagai ilusi ilmiah yang menunjukkan citra masa depan umat manusia (Satoshi Iwasaki). Dalam hal itu, menarik bahwa film selalu menjadi bentuk bunga yang menggetarkan World Expo. "Kinetoscope" Edison pertama kali ditampilkan di Chicago International Expo pada tahun 1893, dan pada Pameran Internasional Paris tahun 1900, <Phono Cinema Theatre> Clement-Maurice (Diputar secara manual sesuai dengan gramofon) dan film Cinerama karya Raul Grimoan Sanson membungkus penonton dengan memproyeksikan lanskap ke layar silinder menarik banyak perhatian. Dia menulis dalam otobiografinya bahwa dia memiliki ide ini pada tahun 1896, dan ketika World Expo mendekat, saya ingin mempromosikan karya tersebut secara spesifik untuk mewujudkan bisnis yang jauh jangkauannya ini. Namun, dapat dilihat bagaimana para penemu memasukkan mimpi teknologi mereka ke dalam World Expo. Pada Pameran Dunia Montreal tahun 1967 di Kanada, sistem panorama sepenuhnya mengelilingi penonton, termasuk multi-layar, latina magica yang secara bebas bertukar dan memadukan layar film dengan aktor langsung di atas panggung. Layar silinder menjadi fitur, tetapi perangkat yang mengumpulkan yang terbaik dari sains modern dan film serba Omni-Max yang menarik perhatian di World Expo berikutnya pada dasarnya adalah Grimoire Sanson. Mimpi yang sama dengan Cineola. Namun, faktanya adalah bahwa Cineolaama, Omni-Max, dan Lathena-Magica, sebagai acara satu kali, akhirnya tidak berkontribusi langsung pada kemajuan film. Metode multi-layar adalah masa depan di mana montase temporal dan spasial yang paling kompleks dan tingkat tinggi dimungkinkan dengan merilis film dari ide akal sehat konvensional layar tunggal pada awal pengembangan dan menggunakan beberapa layar secara dinamis. Saya sangat terkesan sebagai pratinjau format film, dan segera dimasukkan ke dalam film komersial komersial, tetapi itu hanya metode membagi satu layar menjadi dua atau tiga layar. Multi-layar dalam arti sudah dari Abel Gans << Napoleon (1927) dll (Omong-omong, Napoleon adalah yang disebut "triple ecran", yaitu, tiga layar disusun berdampingan dan diproyeksikan pada tiga proyektor untuk memperbesar layar dan multiplex video. Itu juga sebuah film yang berhasil dalam upaya pertama untuk membuatnya.)

Meskipun identik dengan industri film atau bisnis film, <corporate> paling sering digunakan di Jepang, dan ada yang bagus bernama <in-house director> (sutradara film yang telah mengontrak perusahaan film). Film dimulai dengan "Perencanaan" dan melewati tiga tahap "Produksi", "Distribusi", dan "Hiburan", dan memenuhi hidupnya. Sementara itu, <advertisement> memainkan peran penting. Semua itu adalah proses perusahaan film. Rencananya adalah apa yang harus dibuat (tema dan dokumen asli apa yang dipilih), produksi adalah cara membuat (jenis casting apa dan berapa banyak anggaran (biaya produksi) untuk dibuat), dan di mana distribusi dipasok (Bagaimana cara pergi ke teater) dan bagaimana pertunjukan akan diputar (apakah itu akan menjadi program satu tempat atau program dua tempat, apakah itu pertunjukan jalan satu gedung atau pertunjukan jalan yang diperluas, dll.) Tujuannya adalah untuk menjualnya entah bagaimana (bagaimana membangun "pra-reputasi" dengan menggunakan iklan surat kabar, poster, dan kritik), dan akhirnya bagaimana memberikan kinerja box-office box-office. Dengan kata lain, semua proses adalah metode dan tahapan untuk menciptakan nilai film (nilai box office). Nilai box office adalah kekuatan yang membuat publik (khalayak) ingin melihat karya itu, dan harga karya ditentukan secara proporsional dengan besarnya kekuatan. Nilai box office tidak tergantung pada biaya film itu sendiri (termasuk biaya produksi), juga tidak ditentukan oleh niat produksi atau penyelesaian pekerjaan. Tidak peduli berapa banyak biaya produksi yang dihabiskan, tidak peduli seberapa jauh niat produksi dibuat, dan tidak peduli seberapa hebat <masterpiece> (dan karya yang dipuji oleh kritik), massa adalah Jika Anda tidak ingin mengunjungi bioskop, tidak akan ada nilai box office. Oleh karena itu, bahkan nasib sebuah film tidak ada film tanpa nilai box office sebagai <work>. Apakah itu perusahaan film yang bekerja sebagai entitas perusahaan atau pekerjaan produksi independen, Gambar program Tidak masalah apakah itu film seni atau bukan. Berbagai festival film telah dikembangkan untuk menyelamatkan film-film yang telah frustrasi oleh nasib ini, yaitu, film yang tidak memiliki kekuatan untuk memanggil pelanggan dan tidak memasuki teater, dan menciptakan "nilai hiburan" baru dengan memberikan evaluasi "artistik". Dan Cine Club Dan Teater seni Dapat dikatakan bahwa latihan seperti Dalam arti luas, mekanisme industri film didominasi oleh nilai box office, termasuk pinjaman bank dan pasar film. Di Hollywood, istilah tinju "box-office" juga digunakan untuk bintang, dan bintang yang tidak dapat memanggil pelanggan (atau menarik kaki mereka) disebut racun box-office. Sebelumnya Betty Davis, Marlene Dietrich et al. After West Group Fantasia (1935) dipanggil dengan nama ini, dan itu adalah istilah yang kontras dengan Money Making Star.

Dari keputusan rencana hingga selesainya cetak skrining adalah "produksi". Proses produksi film secara kasar dibagi menjadi tiga tahap: (1) perencanaan dan persiapan produksi, (2) pembuatan film, dan (3) penyelesaian.

Persiapan untuk produksi dalam (1) dimulai dengan keputusan apakah akan menggunakan tanaman asli atau rencana asli (tertulis). Ada klub sastra yang mencari dan memeriksa karya-karya asli (novel, drama, dll.). Di Hollywood, ada departemen cerita, dari David O. Celsnick (Gone with the Wind) ke David Brown (《Jaws '). 》), Ada banyak produser dari departemen, yaitu editor cerita. Ada juga banyak kasus yang merupakan penulis skenario dan produser, seperti DF Zanak, M. Herringer, N. Johnson, C. Foreman, dan lainnya. Setelah rapat perencanaan dan produksi menentukan apa yang harus dilakukan, penulis skenario (juga disebut penulis skenario, atau hanya penulis) menulis skenario. Dalam banyak kasus, survei panggung drama dan wawancara, yaitu, <skenario berburu> dilakukan. Pada saat yang sama (atau berdasarkan naskah tertulis), produser membuat jadwal produksi, memperkirakan biaya produksi, menerima pinjaman dari bank sebagaimana diperlukan, dan pada prinsipnya memutuskan casting dengan sutradara film. Dalam kasus pemotretan lokasi (lokasi), sutradara terutama memainkan peran berburu lokasi (berburu lokasi) bersama dengan produser, direktur pemotretan (fotografer, yaitu juru kamera di Jepang), dan direktur seni (atau direktur seni). Dalam hal pemotretan yang diatur, direktur seni membuat rencana desain seni sesuai dengan naskah ( Seni film ). Sementara itu, direktur musik atau komposer diminta untuk memilih atau menulis musik ( soundtrack film ).

Penembakan di (2) adalah proses di mana staf teknis mengumpulkan kekuatan yang dirancang dalam tahap persiapan untuk produksi di (1) dan merekamnya di film. Jadwal pemotretan diatur oleh manajer produksi. Dalam hal lokasi, didominasi oleh cuaca. Jean Renoir "Picnic" (1936), di mana tidak mungkin untuk menunggu cuaca dan mengubah adegan pecan menjadi adegan hujan, disutradarai oleh Yasujiro Ozu, yang mengubah lokasi di musim panas karena tidak ada salju. Cerita Ukusa (1959), karya François Truffol "Fahrenheit 451" (1966), yang harus mengubah adegan terakhir menjadi pemandangan salju di salju musim semi yang tiba-tiba, dan seterusnya, ada banyak contoh perubahan paksa akibat cuaca. Dalam pengertian itu, film dikatakan sebagai produk kompromi dan persatuan. Di sisi lain, sutradara yang benar-benar menunggu dan menembak bahkan jika aliran awan adalah satu, disebut perfeksionis. Set fotografi dilakukan dengan set yang dibangun di atas panggung di dalam studio (rumah dan jalan yang dibangun di situs di luar studio disebut set terbuka). Direktur seni mengarahkan desain set. Model himpunan dibuat untuk setiap himpunan, himpunan dibuat berdasarkan model himpunan, dan pengaturan dilakukan oleh alat peraga. Atau oleh dekorator listrik. Jumlah set dihitung sebagai 1 dan 2 gelas. Ketika set selesai, pencahayaan (pencahayaan) disiapkan di bawah arahan direktur fotografi (dalam kasus Jepang, pertemuan antara fotografer dan insinyur pencahayaan). Sutradara berdasarkan <cut split> dan rencana produksi (wadah, singkatan dari kontinuitas) yang menentukan urutan pembuatan film (kadang-kadang, mungkin <ditingkatkan] dengan adegan dan dialog yang tidak ada dalam skrip), Beri aktor bermain. Direktur mengarahkan sudut kamera, lensa yang digunakan, dan pencahayaan. Mulailah! Dengan perintah〉, petugas clapperboard (yang bertanggung jawab atas asisten sutradara kedua atau ketiga di Jepang) membunyikan clapperboard sebagai isyarat untuk mencocokkan suara dan layar untuk pengeditan nanti, dan juru kamera (juga direktur fotografi di Jepang) memutar kamera. , Rekam informasi yang diperlukan untuk penulis skenario untuk menghubungkan potongan ke kertas skrip, transisi adegan, gerakan aktor, kostum, alat peraga ke jumlah detik dari pemotretan pengambilan gambar, dan insinyur perekaman membuat suara.

Finishing dari (3) adalah proses dari pengembangan untuk mengedit dan mencetak hingga selesai. Pertama, <OK cut> film dikembangkan, dan <Rush Print> (atau hanya disebut Rush) diedit oleh editor. Hubungkan sesuai dengan skrip. <All Rush> yang diedit sepenuhnya dibuat dari <Rough Tsunagi> (potongan kasar) hanya dengan mengatur pemotongan secara berurutan. Selanjutnya, dubbing (sounding, sounding, dll.) Berfungsi seperti <recording> di mana para aktor mengeluarkan suara, suara nyata yang diambil dengan perekaman simultan, dan pencampuran efek suara dan musik bersama-sama <mixing> Etc., dan setelah editing suara (pengeditan suara) dengan pita rekaman magnetik, transfer optik ditransfer secara optik untuk membuat <sound track negative> (disebut sound negative). Ketika negatif (gambar negatif) diedit sesuai dengan semua terburu-buru dan negatif suara dibawa ke dalam kontak dekat satu sama lain dan dikembangkan di laboratorium (lab), cetakan pertama (cetak nol) selesai, dan volume (gambar nada) semakin meningkat. ), Edisi pertama cetak skrining (cetakan edisi pertama) akan selesai, dengan penyesuaian halus seperti pembengkakan warna.

Produser (produser) memiliki kekuatan produksi yang nyata, terutama di Hollywood, di mana produser memiliki kekuatan penuh atas film (hak penyuntingan akhir), dan untuk alasan ini sebuah karya yang bertentangan dengan niat sutradara diciptakan. Banyak. Korban terbesar adalah perfeksionis E.von Ströheim, Istri bodoh (1921) adalah 30 volume (kadang-kadang disebut 34 volume) tetapi dikurangi menjadi 10 volume. Keserakahan (1923) adalah karya 42 volume, tetapi dirilis dalam 24, 18, dan 10 volume. Ada banyak sutradara yang berhasil membuat karya mereka sendiri sebagai produser dengan mengambil sistem produser Hollywood. Chaplin, Demil, Capra, Rubych, Ford, Hawks, Hitchcock, Mankiewicz, Wilder dan sebagainya. Di Jepang, Iwao Mori, direktur PCL (pendahulu Toho), mengadopsi sistem produser untuk pertama kalinya guna merampingkan produksi dan produksi film Jepang di mana sistem pemagangan tetap. (1976) menjelaskan pembentukan sistem produsen sebagai berikut. <Masing-masing pembuat film awal membuat rencana untuk sebuah perusahaan produksi kecil, menyiapkan dana, dan mengerjakan produksi film, tetapi staf yang paling banyak bersuara di staf adalah para penembak. Mungkin karena itu adalah pekerjaan paling penting untuk mengambil gambar bergerak. Selanjutnya, sutradara yang bekerja sebagai sutradara berhak berbicara karena mekanisme filmnya menjadi rumit. Namun, di Eropa dan Amerika Serikat, posisi produsen dalam hal perencanaan dan pendanaan memiliki otoritas absolut, dan sutradara adalah yang paling penting di bidang pembuatan film, tetapi keputusan akhir ada di produser. Kebiasaan melakukan tidak berubah sejak awal. Ketika produksi film dilakukan oleh manajemen perusahaan skala besar di bawah sistem produksi massal selama masa kejayaan film, produsen seperti diktator yang mengambil jalan keluar adalah produsen yang representatif, tetapi merencanakan satu per satu untuk banyak produksi. Saya tidak bisa melakukan dan mengarahkan, jadi saya menyewa seorang spesialis produksi untuk mempercayakan produksi saya sebagai pengganti. Itulah yang disebut sistem produsen.

Menyalin karya film yang dihasilkan (hak pemutaran, yaitu, film negatif dengan hak cipta) pada cetakan dan menyewanya ke bioskop (penghibur) untuk jangka waktu tertentu disebut "distribusi". Sebuah kontrak untuk biaya pemutaran ditandatangani antara distributor dan pemain, dan harga adalah nilai box office dari pekerjaan dan tingkat teater (ini disebut "garis bilangan", "garis tinggi" dan " low line ”), Dengan kata lain, ditentukan oleh kapasitasnya (kapasitas penonton), fasilitas, biaya masuk, lokasi, tanggal penyaringan dan periode penyaringan, dan sebagainya. Ada dua jenis kontrak: kontrak komisi (berdasarkan persentase) dan kontrak penjualan tunggal (jumlah tetap berdasarkan nilai box office pekerjaan). Sebagian besar teater di teater kota prefektur dan teater di kota-kota dengan populasi 100.000 orang atau lebih sebagian besar ditugaskan, dan teater di sekitarnya dijual terpisah. Penghasilan yang diperoleh oleh komisi yang disebutkan di atas dan kontrak penjualan tunggal dari pendaratan petinju (pendapatan kotak-penerimaan) disebut <pendapatan distribusi> (<distribusi>). Sebagai bentuk distribusi, perusahaan film Jepang secara komprehensif mengelola departemen produksi, distribusi, dan hiburan, dan pada prinsipnya, tidak menggunakan karya perusahaan lain, tetapi semua karya (semua profesional atau semua program) adalah karya dari perusahaan yang sama. Sistem bangunan khusus yang dapat dicakup, yaitu metode <block booking (semua profesional sistem)> diadopsi. Di sisi lain, karya-karya dengan nilai box office yang stabil di antara film-film asing (film-film asing) dan karya-karya profesional independen dibagi menjadi beberapa garis (Toho Western Painting, Shochiku Tokyu, dll.) Di kota-kota besar, tetapi masing-masing di kota lokal. Ada banyak metode <pemesanan gratis (penjualan tunggal)> untuk membuat kontrak penjualan. Dalam hal pemesanan gratis, setiap karya harus <sales> ke bioskop, tetapi hubungan antara penjual (distributor) dan pembeli (penghibur) didasarkan pada transaksi kredit antara keduanya. Didirikan.

Dengan sistem pemesanan blok, Hollywood pada 1930-an mencapai masa jayanya. Pada tahun 35, di bawah kendali dua ibukota keuangan utama, Rockefeller dan Morgan, delapan perusahaan besar (<major>): Paramount, Warner Bros., MGM, 20th Century Fox, RKO, Universal, Columbia, dan United Artists. Disebut MPPA (American Filmmakers 'Federation) dan memonopoli 95% dari distribusi. Paramount, Warner, MGM, 20th Century Fox, dan RKO saja menghasilkan hampir 80% film Amerika, memiliki 4.000 bangunan kelas atas yang terbuka, dan memperoleh 88% dari total penjualan (pendapatan). Dikatakan demikian. MGM, yang bangga dengan kekuatan terkuatnya di tahun 1930-an, memproduksi 42 film layar lebar per tahun. Di usia 30-an, ada banyak hobi dan sutradara film yang produktif, yang merupakan fenomena khas di era produksi massal. Sebagai contoh, selama 30-39 tahun, M. Curtis memiliki 44 prajurit (di antaranya << Darah Bajak Laut (1935), Kavaleri Naga Muka (1936), Petualangan Robin Hood, Malaikat Wajah Kotor (keduanya 1938), Penjahat (1939), dll. Adalah 36 MGM (dari Rico King Rico (1930) ke Masked United States (1932) hingga Belasungkawa (1940)), John Ford, 26 terutama dari Fox I mengambil karya-karya seperti "Company" (1934), "Saya seorang orang baik "," Musuh manusia "(keduanya 1935)," stasiun kereta "," Lincoln Muda "(keduanya 1939), dan seterusnya. Pada tahun 1938, pemerintah (Kementerian Kehakiman) mengajukan banding ke delapan perusahaan film besar untuk melanggar undang-undang antitrust (undang-undang antimonopoli), dan setelah perang (1946) membongkar rantai teater di bawah masing-masing perusahaan untuk memproduksi dan mendistribusikan Dipisahkan menjadi dua departemen hiburan.Di tahun 50-an zaman keemasan film Jepang, yang mudah dibentuk sebuah program 52 minggu setahun, yaitu, "semua profesional", Keisuke Kinoshita membuat 20 klise di Shochiku ("Kembali ke Rumah Carmen") (1951), T ragedy of Japan (1953), Garden of Women, Twenty-four Eyes (keduanya 1954), Kimi Natsuki seperti Nogiku (1955), Pertimbangan Hatakeyama (1958) Dll). Selain itu, Ikuo Osone adalah Shochiku, Atsushi Sugawara berada di Toyoko dan Toei, dan Masahiro Makino berjalan di atas setiap perusahaan dan menembak lebih dari 50 <gambar program> ("Jirocho Sangokushi" yang diambil oleh Direktur Masahiro Makino di Toho) Seri (1952- 54) juga dalam periode ini).

<Film yang difoto> menjadi <film> hanya saat menyentuh mata penonton. Box office adalah titik akhir dari sebuah perusahaan film. Bioskop (theatre theatre) adalah tempat untuk pertunjukan seperti itu, tetapi sebagai aturan umum, bentuk-bentuk pertunjukan sebagai perusahaan film pada umumnya adalah teater yang disebut permanen (the theaters yang secara teratur menampilkan film). Ketika bentuk pertunjukan dipandang sebagai "larangan" (urutan film dirilis), pertunjukan teater tunggal di kota besar untuk waktu yang lama disebut road show. Dengan kata lain, yang sebenarnya adalah pembukaan (gedung No. 1), dan metode ini diterapkan dalam kinerja film asing (film asing) di Jepang, tetapi dalam kasus film Jepang, pembukaan (No. 1) secara bersamaan dirilis di banyak gedung, yang kedua, 3 Pada gilirannya, itu akan dirilis di kota setempat dan gedung No. 2 di distrik, dan jumlah pemutaran akan berkurang. Secara umum, ada satu road show dan jumlah pemutaran simultan adalah 2 atau kurang. Namun, sejak 1975 "Jaw", sistem road show ekspansi nasional diadopsi untuk karya-karya besar, dan film Jepang. Karya-karya film ini sering ditampilkan di layar film asing. Perusahaan film dilengkapi dengan kinerja box office, yaitu mobilisasi penonton dan pendapatan box office (dan ketika film kehilangan nilai box office-nya, film itu sendiri adalah "sampah", yaitu, dipotong (dibuang) untuk mengurangi masa hidupnya. Namun, hari ini, ada fenomena baru "film" yang menyebar ke pasar selain box office dalam bentuk penggunaan sekunder dan tersier, seperti siaran TV, konversi perangkat lunak video, merchandising (merchandising film), dll. Industri terkait telah dirintis.

Beriklan dalam film adalah kegiatan yang menciptakan nilai hiburan dengan membesar-besarkan dan mengomunikasikan esensi daya pikat film dan film (konten dan format karya, perusahaan film, bintang, sutradara, teater, dll.) Dengan segala cara. <Promosi produksi> yang akan dilakukan selama proses produksi mulai dari perencanaan hingga penyelesaian pekerjaan, <promosi distribusi> yang akan dilakukan setelah pekerjaan selesai <promosi distribusi>, dan terhadap kinerja setelah kontrak penyaringan dengan teater dibuat < promosi hiburan>

Promosi produksi adalah iklan dasar pendahuluan, yang direncanakan terutama pada judul karya, sutradara, aktor, cerita, dan kemajuan produksi, dll. Ini adalah tahap di mana harapan terhadap karya tersebut diangkat dengan menggunakan majalah dan majalah, dll., dan landasan untuk promosi khalayak umum dibuat. Sebagai contoh khas pertama, pada tahun 1910, aktris Amerika Florence Lawrence memukul berita tentang berita palsu tentang kematian akibat kecelakaan lalu lintas di surat kabar dan kemudian mengungkapkan bahwa itu adalah alarm palsu. Terkesan dengan namanya, yang pertama dalam sejarah film Amerika Bintang Dikatakan bahwa itu dibuat-buat. Dari sana, "Star System" lahir, dan perusahaan film mulai menerbitkan majalah penggemar untuk menjual bintang-bintang dan menarik minat publik dalam "Film".

Bagian utama dari iklan distribusi adalah iklan karya, sehingga penjualan judul dan konten karya adalah yang paling penting. Dalam kasus film asing, titik awalnya adalah menentukan judul rilis. Ketika judul berubah menjadi kata kunci, iklan dikatakan lebih dari setengah keberhasilan. 《Seragam Perawan》, `` Penjara tanpa Kisi '', `` G Men '', `` Tempat Sinar Matahari '', `` Terlambat untuk besok '', `` Pertunjukan terbesar di tanah '', `` Kekerasan Ruang kelas '', `` Little Giant '', `` Encounter with the unknown '' Beberapa contoh yang baik tentang menjauh dari film itu sendiri dan berubah menjadi kata kunci. Metode periklanan distribusi termasuk <publisitas> menggunakan koran, majalah, radio, TV, dan artikel lainnya, perkenalan dan program, ruang surat kabar / majalah, gelombang radio / TV radio (iklan), dan iklan. Ada <Advertis> yang mengalir. Sebuah slogan yang menyerukan daya tarik karya, yang disebut "jitsutsu", "iklan peringkat" yang menyajikan evaluasi sosial seperti memenangkan penghargaan film atau merekomendasikan organisasi publik memainkan peran yang sangat penting. <Critical Criticism> awalnya lahir sebagai semacam publisitas yang menciptakan nilai box office sebagai bagian dari iklan distribusi (dalam arti itu, <criticism> dalam bentuk <questionnaire> oleh selebriti dan kritikus film di iklan surat kabar hari ini. Digunakan ). Ulasan film review film pertama adalah review koran (New York Dramatic Mirror, New York Times, dll) yang ditulis untuk film Edison pada tahun 1896.Kritik pertama yang mengangkat kritik sebagai teori film dari ulasan kritik yang berpusat pada pengantar dan analisis karya itu sendiri, dikatakan sebagai Julian Johnson di Amerika Serikat. Berbeda dengan sampan yang menganjurkan seni ke-7>), itu adalah metode yang mendekatkan kritik dengan film dan menyajikan film. Sejarahnya yang kemudian menjadi editor cerita Fox abad ke-20 (klub sastra) dengan jelas menggambarkan hal ini.

Selain menjual konten karya, pertunjukan itu direncanakan terutama untuk pertunjukan teater tempat karya itu akan diputar. Oleh karena itu, poster, papan nama (dicat dengan cat)), dan <Potongan (papan nama)> dipotong dalam bentuk gambar penuh panjang bintang dan potret), trailer (trailer), dan pengumuman di lapangan. Memberikan informasi tentang komunikasi program penyaringan dalam panduan film majalah dan surat kabar Town juga merupakan iklan penting.

Dikatakan bahwa <media> promosi film yang paling kuat adalah apa yang disebut <word of mouth>, yang menyebar dari mulut ke mulut. Oleh karena itu, dapat dikatakan bahwa pratinjau umum diatur terutama untuk ulasan tersebut.
Koichi Yamada + Tsutomu Hirooka